Porträtfotografie, meine besten Ratschläge.

Auch wenn ich kein großer Spezialist auf diesem Gebiet bin, ist es sehr weit verbreitet, wird aber oft missverstanden und manchmal sogar mit anderen verwechselt. Zum Beispiel: Wie oft hört man jemanden von Street Photography sprechen, obwohl er nur Porträts von Menschen gemacht hat, die die Straße entlanggehen? Solange das Motiv eine Person ist, kann man von Porträt sprechen. Wenn du offensichtlich ein Street-Foto machst und Menschen darauf zu sehen sind, sie aber nicht das Hauptmotiv des Bildes sind, dann ist es ein Street-Foto. Eine Person in derselben Straße jedoch eng zu rieren, um sie zum Hauptmotiv des Bildes zu machen, ist etwas anderes. Für alle, die neu in der Fotografie sind, wäre es ideal, zuerst unseren Artikel zu lesen, der die Belichtung in der Fotografie detailliert erklärt. Dort findest du alle notwendigen Elemente, um diesen Artikel zu verstehen, einschließlich der Konzepte Blende, ISO und Verschlusszeit.

Porträtfotografie beschränkt sich nicht darauf, nur den Kopf einer Person zu rieren oder sie im Gegenteil in einer Umgebung zu fotografieren. Tatsächlich gibt es mehrere Arten der Komposition, die alle als Porträts gelten können. Ich würde sagen, dass dein Bild ein Porträt ist, wenn offensichtlich ist, dass das Motiv eine Person ist, egal wie du es komponierst! Du wirst genauso viele Meinungen darüber finden, was ein Porträt sein sollte, wie es Porträtfotografen gibt. Manche werden dir sagen, du solltest eng rieren und mit geringer Schärfentiefe arbeiten, sodass nur die Augen scharf sind und der Rest unscharf. Andere werden dir sagen, du musst das Motiv in seine Umgebung integrieren und alles sollte scharf sein. Am Ende liegen viele Porträtisten irgendwo dazwischen. Persönlich würde ich sagen: Mach einfach das, was dir am besten gefällt. Wenn du das Gefühl hast, dass es in einer bestimmten Situation besser wäre, das Motiv so weit wie möglich zu isolieren, damit es hervorsticht, dann tu es! In anderen Fällen kann es interessant sein zu zeigen, was drum herum ist. Kurz gesagt: Mach das, was du für am besten hältst, um dein Motiv einzufangen und hervorzuheben.

Um Porträtfotografie zu machen, brauchst du allerdings etwas Kameraausrüstung. Aber keine Sorge: Das ist ein Bereich, der im Allgemeinen nicht viel Investition erfordert, um Ergebnisse zu erzielen. Zumindest keine große finanzielle Investition. Wenn du Porträts machen willst, die aus der Masse herausstechen, solltest du eher in Technik und Vorbereitung investieren. Denn einfach vor einer Person anzukommen, die Kamera hochzunehmen und den Auslöser zu drücken, reicht nicht aus, um ein schönes Bild zu machen … Auch wenn es immer noch wie ein Porträt aussehen wird!

Auf unserem Blog findest du einen Artikel, der dir hilft, deine Ausrüstung für die Porträtfotografie auszuwählen. Einfach gesagt: Jede Kamera kann für Porträtfotografie verwendet werden, vom Smartphone bis zur Mittelformatkamera. Natürlich sind manche stärker eingeschränkt, insbesondere abhängig von den Objektiven, die du oder deine Kamera hat. Smartphones und einige Expert-Kompaktkameras haben zum Beispiel oft eine feste Brennweite, die nicht unbedingt für bestimmte Porträttypen geeignet ist. Was DSLRs und spiegellose Kameras betrifft, haben sie ausreichend große Sensoren, um für die meisten Situationen zu passen, und liefern dabei Bilder in hoher Qualität. Autofokus (AF) ist ebenfalls nicht sehr wichtig, da die meisten Kameras einen ausreichend leistungsfähigen AF für Porträts haben. Größere Sensoren haben einen Vorteil, insbesondere wenn es um ISO geht. Denn bei Porträts bei wenig Licht ist es oft notwendig, die ISO zu erhöhen, um die Belichtungszeit relativ kurz zu halten. Du findest auf unserem Blog einen Artikel, der dir hilft, zwischen spiegellos und DSLR zu wählen, sowie einen Artikel über die Vor- und Nachteile der verschiedenen Sensorgrößen.

Es gibt eine sehr große Anzahl an Objektiven, die für Porträtfotografie geeignet sind – die Wahl hängt vor allem von den Aufnahmebedingungen, deinem Budget und deinen Wünschen ab.

Das Nächste, was du berücksichtigen solltest, ist das Objektiv. Wie im Artikel über Porträtobjektive erwähnt, wird die Verwendung von Objektiven zwischen 35 und 200 mm die meiste Zeit empfohlen. Brennweiten unter 35 mm sind eher Porträts mit sehr präsenter Umgebung vorbehalten (daher ihre Empfehlung für Landschaft) oder engen Porträts mit Perspektiveffekten, die zwar interessant, aber selten schmeichelhaft und schnell ermüdend sind! Andererseits erfordern längere Brennweiten (Tele, Zoom) in der Regel einen erheblichen Abstand, den du oft nicht hast, und machen dann die Interaktion mit deinem Motiv ziemlich schwierig. Sei jedoch vorsichtig: Auch wenn oft geraten wird, die Brennweite zu verlängern, um enger zu rieren, und sie zu verkürzen, um Kontext hinzuzufügen, ist es durchaus möglich (und sogar oft interessant), bei 35 mm eng und bei 200 mm weit zu rieren. Im ersten Fall besteht jedoch das Risiko einer Perspektivverzerrung, und im zweiten Fall die Notwendigkeit, weiter wegzugehen, was dich dazu zwingt, dein Bild noch präziser zu komponieren.

Schließlich werden sich einige Zubehörteile als wertvolle Hilfen erweisen, insbesondere um die Helligkeit zu kontrollieren und zu formen, wie Blitze und andere Arten von Beleuchtung, Diffusoren und Reflektoren. Es gibt sie in allen Preisklassen, aber sie erfordern ein gewisses Maß an Beherrschung und machen deine Ausrüstung sperriger. Es ist natürlich ziemlich kompliziert, Studiolichter zu verwenden, um im Wald zu fotografieren, oder Reflektoren vor einem Motiv auf der anderen Straßenseite auszuklappen, wenn du spontan fotografierst. Die meisten dieser Zubehörteile eignen sich daher für vorbereitete Shootings, zum Beispiel für Studio-Porträtfotografie. Der interessanteste Verbündete wird, wie so oft, der Blitz sein. Denn er ermöglicht eine gute Kontrolle des Lichts wenn er richtig eingesetzt wird, auch wenn er durch die Reichweite seines Blitzes begrenzt ist.

Was den Belichtungsmessmodus betrifft, wird oft empfohlen, die Kamera auf Matrix-Messung zu lassen. Mit anderen Worten: Die gesamte Szene wird analysiert, um eine „durchschnittliche“ Belichtung zu schätzen. Persönlich stimme ich diesem Rat nicht zu, besonders bei Porträts, denn außer du machst ein sehr enges Porträt, können viele Bereiche die Belichtung verschieben. Das ist oft bei Gegenlichtporträts (bei Sonnenuntergang) oder mit Himmel im Hintergrund und dem Motiv im Schatten zu sehen. Der helle Bereich im Hintergrund täuscht die Messung und führt zu Fotos, die man als „unterbelichtet“ bezeichnen könnte. In Wirklichkeit sind sie es nicht. Die Kamera hat nur das getan, worum du sie gebeten hast, nämlich den riesigen hellen Bereich in der Belichtung zu berücksichtigen. Wenn die Person in der Szene das Hauptmotiv ist, würde ich dir raten, den Belichtungsmessmodus je nach dem Platz zu wählen, den sie im Bild einnehmen wird. Wenn es ein großer Teil der Bildmitte ist, kannst du mittenbetonte Messung verwenden. Wenn es eher ein sehr kleiner Teil des Bildes ist oder wenn es sehr helle oder dunkle Bereiche drum herum gibt, dann solltest du Spot-Messung verwenden. Achtung: Manche Spotmessungen erfolgen nur auf den mittleren AF-Punkten, wie bei Canon. Du findest auf unserem Blog einen Artikel, der die verschiedenen Messmodi genauer erklärt.

Der Kameramodus hängt davon ab, was du erreichen willst. Wenn du vor allem die Schärfentiefe im Griff haben willst, solltest du den Blendenmodus (A/Av) verwenden, der für Porträts am häufigsten empfohlen wird. Wenn du eher der Verschlusszeit Priorität geben willst, weil du ein bewegtes Motiv einfrieren oder im Gegenteil einen Bewegungseffekt mit relativ langer Belichtungszeit erzeugen möchtest, dann musst du den Zeitmodus (S/Tv) verwenden. Ich persönlich habe gern Kontrolle über beide Parameter und bevorzuge den Manuellmodus, meist mit ISO auf Automatik, damit die Kamera den einzigen Parameter verwaltet, der nicht wirklich von „künstlerischem“ Interesse ist.

Der AF-Modus hängt von deinem Motiv ab. Wenn es ein ruhiges Porträt ist, bei dem du das Motiv anleiten kannst, ist der AF-S/One-Shot-Modus am einfachsten. Wenn es dagegen ein Porträt in Aktion ist, ist der AF-C/Ai-Servo-Modus besser geeignet. In jedem Fall rate ich dir, deinen AF so einzustellen, dass du den aktiven AF-Punkt selbst auswählen kannst. Wenn du ihn auf Automatik lässt, können einige Elemente die Kamera stören. Dennoch gibt es bei vielen Kameras und besonders bei den neueren spiegellosen Modellen Modi mit Fokus auf das Gesicht oder sogar auf die Augen, die immer effizienter werden. Zögere nicht, sie zu verwenden, wenn deine Kamera das bietet. Bei manuellem Fokus, ob aus Wahl oder weil dein Objektiv keinen AF hat, stellt sich die Frage nicht, und du musst den besten Weg finden, deinen Fokus mithilfe der Fokusanzeige im Sucher von DSLRs, der Lupe und/oder Focus Peaking im elektronischen Sucher zu erreichen.

Die Blendenöffnung, notiert f/x, ermöglicht dir, die Schärfentiefe (den Bereich der Schärfe vor und hinter der Stelle, auf die du fokussierst) zu wählen und die Lichtmenge zu verringern oder zu erhöhen, die das Objektiv an den Sensor sendet. Je kleiner die Zahl, zum Beispiel f/2, desto mehr Licht erhält der Sensor und desto kürzer ist die Schärfentiefe. Offensichtlich ist es bei einer großen Zahl wie f/8 umgekehrt. Idealerweise sollte die Blende entsprechend der gewünschten Schärfentiefe gewählt werden. Denn wenn sie genutzt wird, um schlechtes Licht auszugleichen, ist sie keine künstlerische Entscheidung mehr, sondern ein Notbehelf. Wenn du die Schärfentiefe stark reduzieren oder bei sehr wenig Licht fotografieren willst, musst du zu Objektiven mit großer maximaler Blendenöffnung greifen, wie f/1.8 oder f/1.4 (also meist Festbrennweiten). Aber stelle sicher, dass du wirklich davon profitierst, bevor du zu sehr lichtstarken Objektiven greifst, denn sie sind in der Regel teurer, schwerer und sperriger. Ich würde sagen: Für den Einstieg kannst du Festbrennweiten mit f/1.8–f/2 wählen und Zooms mit f/4, eventuell f/2.8, wenn der Preis stimmt.

Die Belichtungszeit, angegeben in Sekunden oder Bruchteilen davon, ermöglicht es dir, das Motiv zu erfassen, wenn sie kurz genug ist, oder Bewegungsaufnahmen zu machen, wenn sie relativ lang ist. Alles hängt davon ab, wie schnell sich das Motiv bewegt, und wiederum von deiner Absicht. Je schneller sich das Motiv bewegt, desto kürzer muss die Belichtungszeit sein, wenn du es einfrieren willst. Für ein ruhiges Porträt empfehlen manche, die Belichtungszeit auf mindestens 1/90 Sekunde zu setzen. In Wirklichkeit hängt es von anderen Faktoren ab, wie der verwendeten Brennweite oder der Größe und Anzahl der Pixel auf deinem Sensor. Je länger die Brennweite, je größer die Pixelanzahl und je kleiner der Sensor, desto wahrscheinlicher ist es, dass Bewegung (deine oder die des Motivs) Unschärfe verursacht. Als Faustregel gilt, eine Belichtungszeit von mindestens 1 mal der Brennweite zu verwenden, um Verwacklungsunschärfe des Fotografen zu vermeiden. Wenn du zum Beispiel ein 50 mm verwendest, solltest du mindestens 1/50 Sekunde nutzen. Aber gemäß Brennweitenäquivalenzen: Wenn du dieses 50 mm vor einen Micro-4/3-Sensor setzt, entspricht es einem 100 mm, und du solltest die Belichtungszeit eher auf mindestens 1/100 Sekunde setzen. Diese Regel ist flexibler, wenn dein Sensor, dein Objektiv oder beides stabilisiert ist. Bei einem bewegten Motiv ist es weniger wichtig, weil du oft ohnehin kurze Zeiten nutzt, um Bewegungsunschärfe zu vermeiden. Wenn du zum Beispiel ein laufendes Kind fotografierst, wirst du die meiste Zeit bei 1/250 Sekunde oder sogar kürzer sein, sodass du wahrscheinlich bei jeder Brennweite unter 200 mm kein Problem hast. Bei Sensoren mit sehr vielen Pixeln können Unschärfen auch leichter sichtbar werden. Wenn du Bewegungsaufnahmen machen willst, musst du lange Belichtungszeiten verwenden, und Stabilisierung ist in diesem Fall ebenfalls ein wertvoller Vorteil, oder du musst die Bewegungen deines Motivs mitziehen, während es sich bewegt. Ich würde dir daher raten, deine Belichtungszeit entsprechend den Bewegungen deines Motivs zu wählen und dann, wenn dieses relativ wenig zappelig ist, darauf zu achten, die Belichtungszeit nicht zu sehr zu verlängern, um nicht das Risiko von Bewegungsunschärfe einzugehen.

Die ISO-Empfindlichkeit verstärkt das Signal, um eine höhere Empfindlichkeit des Sensors gegenüber Licht zu ermöglichen, wodurch ein Foto korrekt belichtet werden kann, selbst wenn nicht genug Licht vorhanden ist. Das wäre großartig, wenn diese Erhöhung der Empfindlichkeit die Bildqualität nicht verschlechtern würde, denn je höher du mit ISO gehst, desto mehr enthält das Bild das, was man „Rauschen“ nennt (farbige „Körner“, die im ganzen Bild verteilt sind), sowie einen Verlust an Dynamikumfang und Farbqualität. Ziel ist es dann, abhängig von der verwendeten Kamera und deinen Anforderungen, den Grenzwert zu finden, bis zu dem du es zulässt. Je größer dein Sensor, desto weniger verschlechtert sich die Qualität, wenn du ISO erhöhst. Idealerweise solltest du versuchen, so niedrig wie möglich zu bleiben, aber in vielen Situationen wird es oft notwendig sein, die Empfindlichkeit zu erhöhen. Wenn du wirklich Referenzwerte willst, kann ich dir raten, bei Micro 4/3 unter 1600 ISO, bei APS-C unter 3200 ISO und bei Vollformat unter 6400 ISO zu bleiben – bei den meisten Kameras. Manche Kameras haben bessere Rauschreduktionsverfahren, und manche Software kann es sogar noch besser; es liegt an dir, das an das anzupassen, was du verwendest.

Egal ob du AF oder manuellen Fokus verwendest: Wo du fokussierst, ist sehr wichtig. Üblicherweise rät man, auf die Augen zu fokussieren, so sehr, dass Hersteller – wie im vorherigen Kapitel erwähnt – einen automatischen Fokus anbieten, der die Augen des Motivs erkennt. Das ist tatsächlich der Bereich, den wir instinktiv meist als Erstes suchen, wenn wir einem Porträt gegenüberstehen. Wenn das Motiv nicht frontal ist und du eine so geringe Schärfentiefe hast, dass nur eines der beiden Augen scharf ist, dann wähle das Auge, das dir am nächsten ist.

Allerdings war es nie verboten, woanders als auf die Augen zu fokussieren, falls du auf einen anderen Teil des Motivs fokussieren möchtest. In diesem Fall kann es jedoch manchmal passender sein, nur diesen Bereich zu rieren, selbst wenn die Augen nicht mehr im Bild erscheinen. Dann könnte man fast schon von Nahfotografie oder sogar Makrofotografie sprechen.

Fokussieren geht mit der Schärfentiefe einher. Je größer die Blendenöffnung, desto kürzer die Schärfentiefe, was nützlich sein kann, um das Gesicht oder die Person zu isolieren, besonders wenn die anderen Teile des Bildes nicht interessant sind und das Motiv nicht betonen. Aber die Blende ist nicht das einzige Element, das die Schärfentiefe bestimmt. Auch der Abstand zwischen dir und dem Motiv sowie die verwendete Brennweite haben Einfluss. Denk daran: Je näher du am Motiv bist oder je länger deine Brennweite, desto stärker wird deine Schärfentiefe reduziert, selbst wenn du dieselbe Blende verwendest. Wieder gilt: Es gibt kein Gesetz, das sagt, du musst die Schärfentiefe auf die Dicke eines Zigarettenblatts reduzieren. Es kann interessanter sein, sie zu vergrößern, damit der Kontext um dein Motiv herum einbezogen wird.

Sei jedoch vorsichtig: Wenn du den Abstand änderst, änderst du auch die Perspektive, und das sollte das Motiv nicht benachteiligen. Das gibt dir dann die Möglichkeit, die Schärfentiefe zu reduzieren, selbst wenn du eine Kamera mit kleinem Sensor hast. Kleinere Sensoren liefern bei gleicher Brennweite einen engeren Bildausschnitt, sodass du zurückgehen musst, um denselben Ausschnitt zu erhalten, oder eine kürzere Brennweite verwenden musst, was den Schärfebereich vergrößert. Da du zurückgehen und eine längere Brennweite verwenden kannst, musst du keine teurere Kamera kaufen, zumal das Zurückgehen vom Motiv die Perspektive in der Regel weniger negativ beeinflusst als das Nähergehen.

Wenn du jedoch eine Kamera mit großem Sensor und großer Blendenöffnung verwendest, achte darauf, eine ausreichend große Schärfentiefe zu haben, wenn du mehrere Motive hast und alle scharf bekommen willst. Dieses Problem habe ich oft, wenn ich Familienfotos machen will und mein 5-jähriger Sohn herumalbert und am Ende leicht hinter oder vor den anderen steht. Der einfachste Weg ist, die Blende zu schließen, aber wenn sie an einem entfernten Ort sind, musst du eventuell zurückgehen und/oder eine kürzere Brennweite verwenden. Letzte Lösung: Du kannst sie bitten, sich mehr oder weniger auf derselben Linie zu sammeln. So musst du die Schärfentiefe nicht anpassen, weil sie tatsächlich in ihr stehen und sich darin positionieren.

Es gibt mehrere klassische Porträt-Ausschnitte:

• das Ganzkörperporträt, bei dem die ganze Person riert wird,
• der American Shot, bei dem Füße und Unterschenkel abgeschnitten werden,
• der Taillenausschnitt, bei dem auf Taillenhöhe abgeschnitten wird (leicht zu merken, oder?),
• der Brustbildausschnitt, bei dem entweder am unteren oder oberen Rand der Brust abgeschnitten wird,
• die Nahaufnahme/Close-up, bei der das Gesicht isoliert wird und die Schultern einbezogen werden oder nicht.

Um in die Porträtfotografie einzusteigen, ist die Nahaufnahme am praktischsten, da sie das Motiv so weit wie möglich isoliert und es dir erlaubt, dich nicht zu sehr vom Kontext oder von einer fehlerhaften Pose des Motivs aus der Ruhe bringen zu lassen (Hand am Reißverschluss oder Fuß verdreht – kein Problem, da es nicht im Bild erscheint). Das Ganzkörperporträt stellt höhere Anforderungen an die Pose des Motivs und daran, wo du es platzierst, da der Kontext mit im Bild ist. Wie oft machen wir ein Ganzkörperporträt, nur um später festzustellen, dass da ein Ast, ein hässliches Tag oder ein alter Trockner in der Ecke des Bildausschnitts war (oder wieder eine Hand am Reißverschluss, nur dass man sie dieses Mal im Bild sieht). Der Ausschnitt dazwischen ist ebenfalls ziemlich anspruchsvoll, da du dich auf das Motiv und teilweise auf seine Pose konzentrieren musst, aber auch auf den Kontext, selbst wenn er eingeschränkter ist. Je enger du natürlich rierst, desto mehr Aufmerksamkeit wirst du dem Gesicht und insbesondere den Augen des Modells schenken.

Apropos Blick: Lass ein wenig Platz vor ihm, in die Richtung, in die er schaut, um deinem Motiv „Luft“ zu geben. Das ist eigentlich ein ziemlich grundlegender Tipp. Wenn du jemanden fotografierst, der nach links oder rechts schaut, wirst du schnell merken, dass das Ergebnis nicht sehr angenehm ist, wenn der Bildrand direkt vor den Augen endet. Allgemein gilt: Ob es die Augen sind oder der Körper, der in eine Richtung „geht“ – lass in dem Bereich, der dieser Richtung entspricht, Platz. Wenn das Motiv dir zugewandt ist, ist das natürlich kein Problem, und es ergibt oft mehr Sinn, das Gesicht zu zentrieren. Das Motiv zu bitten, dich frontal anzusehen, ist bei engen Ausschnitten oft interessanter. Da der Kontext nicht sehr präsent ist, ist es weniger relevant, es woanders hinschauen zu lassen. Andererseits ist es dynamischer, den Körper in eine andere Richtung drehen zu lassen, besonders bei Frauen (zum Beispiel das 3/4-Porträt), da dies Formen hervorhebt.

Das Bild-Seitenverhältnis ermöglicht es ebenfalls, das Motiv zu betonen, wie so oft in der Fotografie. Das quadratische Format wird oft mit Porträts in Verbindung gebracht, besonders wenn es eng ist und das Motiv frontal ist. Für Porträts, die etwas weiter sind, sind die Verhältnisse 3/2 und 4/3 interessant, weil Motive oft höher als breit sind – und umgekehrt, wenn sie liegen. Übrigens: Wenn sie stehen, gewöhn dir an, deine Kamera im Porträtmodus zu halten … Es gibt einen guten Grund, warum es Porträtmodus heißt. Auch wenn dich niemand dazu zwingt, ist es in der Regel eine natürliche Ausrichtung, um das Motiv zu rieren. Für Porträts mit Kontext sind sie ebenfalls gut geeignet, sogar bis 16:9. Auch das ist eine ziemlich logische Beobachtung, aber dennoch keine Regel. Wenn du weite Aufnahmen im quadratischen Format und enge Aufnahmen in 16:9 machen willst, wird dich niemand aufhalten, und bei Bildern, in denen der Kontext wichtig ist, wird die Porträtmodus-Ausrichtung der Kamera seltener stimmig sein.

Eine wichtige Sache in der Fotografie ist Licht! Das ist übrigens die Definition von Fotografie: Schreiben mit Licht, und Porträtfotografie ist da keine Ausnahme. Wie so oft raten wir dir, hartes Licht zu vermeiden, besonders mitten am Tag. Es gibt jedoch immer Möglichkeiten, dieses Licht zu kontrollieren – sei es, indem du das Motiv abschattest, Licht mit einem Blitz hinzufügst, es diffundierst oder es auf Oberflächen vor Ort oder hinzugefügten Flächen reflektieren lässt. Wenn du dein Motiv in natürliches Licht setzen willst, ohne dass es starke Kontrastbereiche auf ihm erzeugt, bevorzuge Zeiten, in denen die Sonne tief steht, also direkt nach ihrem Aufgang und vor ihrem Untergang.

Das bedeutet jedoch nicht, dass du nicht fotografieren solltest, wenn dein Motiv in direktem Sonnenlicht steht, falls du diese Zubehörteile nicht hast. Der Vorteil (sozusagen) von hartem Licht ist, dass es deutliche Kontrastbereiche erzeugt, die du nutzen kannst, um bestimmte Teile deines Motivs hervorzuheben. Manche nutzen zum Beispiel Gegenlicht, um einen Halo-Effekt im Haar zu erzeugen. Andere platzieren einen Teil des Motivs in einem sehr hellen Bereich und den Rest in einem sehr dunklen, und belichten dann auf das eine oder das andere, sodass der gewählte Teil gut belichtet ist und der andere sehr dunkel oder sogar schwarz wird – oder umgekehrt sehr hell oder sogar ausgefressen.

Einige Techniken, mit denen man mit Licht spielen kann, werden sogar mit Porträts assoziiert, wie High-Key und Low-Key. Die erste besteht darin, das Bild bis an die Grenze des Ausgefressenen zu überbelichten und sicherzustellen, dass das Bild keine Schatten und fast nur helle Töne enthält, um eine romantische, weiche und makellose Wirkung zu erzielen. Die zweite macht mehr oder weniger das Gegenteil, also unterbelichten, sodass das Bild viele dunkle Töne enthält und nur wenige Details hervorgehoben werden, um Charakter zu geben. Um diese Techniken zu unterstützen, solltest du deine Motive vorbereiten, zum Beispiel indem du sie bittest, helle Kleidung für High-Key und dunkle für Low-Key zu tragen. In einer kontrollierten Umgebung (Studio) mit Lichtern ist es einfacher, aber es ist auch bei natürlichem Licht möglich. Für High-Key sind weiche Lichter (tief stehende Sonne, Schatten …) vorzuziehen, während du für Low-Key einen Ort finden musst, an dem das Licht auf einen oder wenige präzise Bereiche konzentriert ist.

Wenn du kein Studio hast (bekanntlich hat ja jeder eins zu Hause!), ermöglichen dir die oben genannten Zubehörteile ebenfalls, diese Techniken umzusetzen – und noch viel mehr. Der Blitz hat viele Vorteile in der Porträtfotografie. Er erlaubt dir, Licht hinzuzufügen und zu kontrollieren, und sein Lichtimpuls ist oft stark genug, um dein Motiv zu beleuchten, da es selten mehrere Dutzend Meter von dir entfernt sein wird. Er kann auch mit anderen Blitzen kombiniert werden, um mehrere spezifische Bereiche zu beleuchten oder unter anderem seine Reichweite zu erhöhen. Allerdings erfordert er etwas Erfahrung, um richtig eingesetzt zu werden. Reflektoren, wie dieser, können verwendet werden, um Licht zu reflektieren und Schatten aufzuhellen. Du richtest ihn einfach auf den Bereich, in dem Licht fehlt. Sie haben oft eine silberne und eine goldene Seite, um den Farbton zu verändern, und sogar eine schwarze Seite, um Schatten hinzuzufügen. Diffusoren ermöglichen – wie der Name sagt – das Licht zu streuen; du musst sie nur zwischen Lichtquelle und Motiv platzieren. Blitze werden oft mit einem kleinen Diffusor geliefert, der direkt auf den Kopf gesetzt wird (den Blitzkopf, nicht deinen).

Nachdem du deine Kamera und deine Szene vorbereitet hast, ist es jetzt Zeit, dich auf dein Motiv zu konzentrieren. Der Satz, der am häufigsten fällt, wenn du ein Foto von jemandem machen willst, ist: „Ich bin nicht fotogen.“ Es gibt wahrscheinlich Menschen, die mehr sind, und andere, die weniger sind, aber normalerweise ist ein misslungenes Porträt deshalb misslungen, weil der Fotograf seine Arbeit nicht richtig gemacht hat.

Wenn du Motive fotografierst, die ziemlich weit weg sind, wird es schwierig sein, Kontakt aufzunehmen und sie anzuleiten. In diesem Fall musst du geduldig sein und aufmerksam bleiben, während du so gut wie möglich vorausplanst, um den richtigen Moment und die richtige Pose zu finden. Wenn du jedoch nah genug fotografierst, zögere nicht, mit ihnen zu sprechen, zu erklären, was du von ihnen willst, und sie auch zu fragen, was sie von diesem Shooting wollen. Da du während des Fotografierens auf deine Kamera und die Komposition konzentriert sein wirst, ist es besser, vorher mit ihnen zu sprechen. Oft fühlen sich Menschen unwohl und unmotiviert, weil sie überzeugt sind, nicht fotogen zu sein. Denk an all die Male, in denen du etwas tun musstest und dachtest, es würde sowieso schiefgehen – das hilft nicht beim Konzentrieren, oder? Dein erstes Ziel wird also sein, deinem Motiv zu helfen, sich zu entspannen und Spaß zu haben. Das ist nicht nur angenehmer für sie, sondern du bekommst auch eher natürlichere und interessantere Ausdrücke. Sobald du ihr Vertrauen gewonnen hast, warte nicht mit dem Fotografieren (nutze den Serienbildmodus), denn je länger sie warten und in deine Kamera starren, desto angespannter werden sie und desto weniger ehrlich werden ihre Ausdrücke. Ein guter Tipp ist, dein Motiv zu bitten, erst im letzten Moment in das Objektiv zu schauen, und da du auslöst, liegt es an dir, ihnen zu signalisieren, dass es der richtige Moment ist. Sei auch präzise in deinen Anweisungen: Bitte sie zum Beispiel nicht einfach, nach links oder rechts zu schauen, sondern eher, auf einen bestimmten Punkt zu schauen.

Bei Posen liegt es an dir zu entscheiden, was dich am meisten interessiert. Du kannst die Person vollständig anleiten, um eine bestimmte Pose umzusetzen, die du im Kopf hast, oder sie zufällige Posen machen lassen, oder eine Mischung aus beidem. Eigentlich, wenn ich sage, es liegt an dir, liegt es eher an der fotografierten Person, denn manche fühlen sich wohler, Anweisungen zu folgen, während andere – wenn man ihnen Freiheit gibt – kreativ sein können (vielleicht sogar mehr als du).

Wenn du ein „klassisches“ Porträt mit Fokus auf die Augen machst, willst du sie wahrscheinlich hervorheben, und dafür gibt es Techniken, um das noch stärker zu tun, ohne sie unbedingt mit starkem Make-up zu umrahmen. Bitte die Person zum Beispiel, das Kinn leicht zu senken; das lässt das Gesicht schmaler wirken und hebt die Augen natürlich hervor. Teste es vor deinem Spiegel: Stell dich gerade vor dich hin und senke dann dein Kinn stark – je mehr du es senkst, desto mehr werden deine Augen betont. Wenn du es natürlich zu stark senkst, wirkt es gruselig, deshalb nur leicht. Wenn du von oben fotografierst, also indem du dich höher als dein Modell positionierst, ist es ähnlich: Die Augen werden betont, aber achte auf die Perspektive, denn du wirst dein Modell „plattdrücken“ (wie man es oft bei Kinderfotos sieht). Um ein Porträt etwas weiter zu machen, kann eine Untersicht das Modell „vergrößern“, aber auch hier: Übertreib es nicht, außer es ist ein gewünschter und kontrollierter Effekt. Für den Körper versuche, mit Kurven zu spielen. Es ist wichtig, dass dein Modell lebendig wirkt, denn vergiss nicht: Anders als in der Realität wird es im Foto eingefroren, und du musst Wege finden, Dynamik zu erzeugen. Achte besonders auf Arme und Beine: Arme seitlich am Körper und Beine kerzengerade sehen auf Fotos nicht wirklich gut aus – genauso wie ein steifer Hals. Achte auch auf Extremitäten (Füße und Hände), da sie in weiten Aufnahmen oft abgeschnitten werden. Eine Möglichkeit, das zu vermeiden, wäre, Requisiten in die Komposition einzubauen, indem du die Person zum Beispiel bittest, einen Gegenstand in einer Hand zu halten. Denn wenn du sie bittest, etwas zu halten, hat dieses Ding eine Bedeutung, also wirst du daran denken – und damit auch an die Hand, die es hält … Offensichtlich schwerer, etwas mit einem Fuß zu halten! Wenn du Angst hast, sie abzuschneiden oder zu vergessen, sie zu kontrollieren, dann schneide sie einfach direkt ab! Es ist besser, klare Entscheidungen zu treffen, denn vollständig abgeschnittene Füße wirken weniger verdächtig, als wenn sie nur halb abgeschnitten sind.

So, ich hoffe, all diese Fototipps helfen dir, mit der Porträtfotografie zu beginnen. Sobald du all diese Fototipps angewendet hast, vergiss nicht, ihnen nicht mehr zu folgen! Sie machen es dir leichter, am Anfang mit deinen Porträts erfolgreich zu sein, aber sobald du mehr Erfahrung hast, kann es oft interessant sein, den gegenteiligen Ansatz zu wählen und Dinge auszuprobieren, die nicht logisch wirken, aber dennoch interessant sein können, wenn sie mit Können und Mut umgesetzt werden. Um weiterzugehen, lade ich dich ein, unseren Artikel zu lesen, der erklärt, wie man mit einer langen Brennweite fotografiert. Dort findest du weitere Arten von Tipps!

Bis bald.