Fotografía de retrato, mis mejores consejos.

Aunque no soy un gran especialista en este campo, está muy extendido, pero a menudo se malinterpreta y, a veces, incluso se confunde con otros. Por ejemplo, ¿cuántas veces puedes oír a alguien hablar de fotografía callejera cuando lo único que hizo fue tomar retratos de personas caminando por la calle? Mientras el sujeto sea una persona, podemos hablar de retrato. Obviamente, si haces una foto callejera y hay personas en ella, si no son el sujeto principal de la foto, entonces es una foto callejera. Pero encuadrar de forma cerrada a una persona en esa misma calle para convertirla en el sujeto principal de la foto es diferente. Para quienes son nuevos en la fotografía, lo ideal sería leer primero nuestro artículo que detalla la exposición en fotografía. Encontrarás todos los elementos necesarios para entender este artículo, incluidos los conceptos de apertura, ISO y velocidad de obturación.

La fotografía de retrato no se limita a encuadrar la cabeza de una persona o, por el contrario, a fotografiarla en un entorno. De hecho, hay varios tipos de composición que pueden considerarse retratos. Yo diría que tu foto es un retrato cuando es evidente que el sujeto es una persona, ¡sin importar cómo la compongas! Encontrarás tantas opiniones sobre lo que debería ser un retrato como fotógrafos de retrato hay. Algunos te dirán que debes encuadrar muy cerrado con una profundidad de campo reducida para que solo los ojos estén enfocados y el resto desenfocado. Otros te dirán que tienes que integrar al sujeto en su entorno y que todo debe estar nítido. Al final, muchos retratistas se situarán en algún punto intermedio. Personalmente, diría que hagas lo que más te guste. Si sientes que en una determinada situación sería mejor aislar al sujeto lo máximo posible para que destaque, ¡hazlo! En otros casos, puede ser interesante mostrar lo que hay alrededor. En resumen, haz lo que creas mejor para capturar y resaltar a tu sujeto.

Sin embargo, para hacer fotografía de retrato necesitarás algo de equipo de cámara. Pero quédate tranquilo: es un campo que, por lo general, no requiere mucha inversión para obtener resultados. Al menos no mucha inversión económica. Si quieres hacer retratos que destaquen entre la multitud, más bien tendrás que invertir en técnica y preparación. De hecho, simplemente llegar frente a una persona con tu cámara, levantarla y presionar el disparador no será suficiente para tomar una foto bonita… ¡Aunque seguirá pareciendo un retrato!

En nuestro blog encontrarás un artículo que te ayudará a elegir tu equipo para fotografía de retrato. Para decirlo de forma simple, cualquier cámara puede usarse para fotografía de retrato, desde smartphones hasta cámaras de formato medio. Por supuesto, algunas estarán más limitadas, especialmente según los objetivos que tú o tu cámara tengan. De hecho, los smartphones y algunas compactas expertas suelen tener, por ejemplo, una distancia focal fija que no necesariamente se adapta a ciertos tipos de retratos. En cuanto a las DSLR y las sin espejo, tienen sensores lo suficientemente grandes como para adaptarse a la mayoría de las situaciones, ofreciendo imágenes de alta calidad. El enfoque automático (AF) tampoco es muy importante, ya que la mayoría de las cámaras tienen un AF suficientemente potente para retratos. Los sensores más grandes tendrán una ventaja, especialmente en lo que respecta al ISO. De hecho, para retratos con poca luz, a menudo será necesario aumentar el ISO para mantener el tiempo de exposición relativamente corto. En nuestro blog encontrarás un artículo para ayudarte a elegir entre sin espejo y DSLR, así como un artículo sobre las ventajas/desventajas de los diferentes tamaños de sensor.

Hay una gran cantidad de objetivos adecuados para la fotografía de retrato: la elección dependerá principalmente de las condiciones de toma, tu presupuesto y tus deseos.

Lo siguiente a considerar es el objetivo. Como se menciona en el artículo sobre objetivos para retrato, la mayoría de las veces se recomienda el uso de objetivos entre 35 y 200 mm. Las distancias focales por debajo de 35 mm están más bien reservadas para retratos con un entorno muy presente (de ahí su recomendación para paisaje) o retratos cerrados con efectos de perspectiva que ciertamente son interesantes, pero rara vez favorecedores, ¡y cansan rápido! Por otro lado, las distancias focales más largas (teleobjetivo, zoom) generalmente requerirán una distancia significativa, que no tendrás a menudo, y entonces harán que la interacción con tu sujeto sea bastante difícil. Sin embargo, ten cuidado: aunque a menudo se aconseja aumentar la distancia focal para encuadrar más cerrado y reducirla para añadir contexto, es totalmente posible (e incluso a menudo interesante) encuadrar cerrado a 35 mm y abierto a 200 mm. En el primer caso, sin embargo, habrá un riesgo de distorsión de la perspectiva, y una obligación de alejarse en el segundo caso, lo que te exigirá componer tu foto aún con más precisión.

Por último, algunos accesorios resultarán ser ayudas valiosas, especialmente para controlar y moldear la luminosidad, como flashes y otros tipos de iluminación, difusores y reflectores. Se pueden encontrar a todos los precios, pero requerirán cierto dominio y añadirán volumen a tu cámara. Obviamente, es bastante complicado usar luces de estudio para fotografiar en el bosque, o desplegar reflectores frente a un sujeto al otro lado de la calle cuando disparas sobre la marcha. Por lo tanto, la mayoría de estos accesorios son adecuados para sesiones fotográficas preparadas con antelación, por ejemplo para fotografía de retrato en estudio. El aliado más interesante será, como a menudo, el flash. De hecho, permite un buen control de la luz cuando se usa bien, aunque está limitado por el alcance de su destello.

En cuanto al modo de medición, a menudo se recomienda dejar la cámara en medición matricial. En otras palabras, se analiza toda la escena para estimar una exposición “promedio”. Personalmente, no estoy de acuerdo con este consejo, especialmente en retratos porque, a menos que hagas un retrato muy cerrado, muchas zonas pueden desplazar la exposición. Esto suele notarse en retratos a contraluz (durante una puesta de sol) o con el cielo de fondo y el sujeto en la sombra. La zona brillante del fondo engaña a la medición y conduce a fotos que pueden describirse como “subexpuestas”. En realidad, no lo están. La cámara solo ha hecho lo que le pediste, que es tener en cuenta la enorme zona brillante en la exposición. Si la persona en la escena es el sujeto principal, entonces te aconsejaría elegir el modo de exposición según el lugar que ocupará en la imagen. Si ocupa una gran parte del centro de la imagen, puedes usar la medición ponderada al centro. Si es más bien una parte muy pequeña de la imagen, o si hay zonas muy claras u oscuras alrededor, entonces deberías usar la medición puntual. Ojo: algunas mediciones puntuales solo se realizan en los puntos AF centrales, como en Canon. En nuestro blog encontrarás un artículo que explica con más precisión los diferentes modos de medición.

El modo de cámara dependerá de lo que busques. Si quieres tener el control de la profundidad de campo ante todo, deberías usar el modo de apertura (A/Av), el más recomendado para retratos. Si, en cambio, quieres dar prioridad a la velocidad de obturación, porque quieres congelar un sujeto en movimiento o, por el contrario, dar un efecto de movimiento con un tiempo de exposición relativamente largo, entonces tendrás que usar el modo de velocidad (S/Tv). Personalmente, me gusta tener control sobre ambos parámetros y prefiero usar el modo manual, normalmente con ISO en automático para dejar que la cámara gestione el único parámetro que no es realmente de interés “artístico”.

El modo AF dependerá de tu sujeto. Si es un retrato estático en el que podrás dirigir al sujeto, el modo AF-S/one-shot será el más fácil. Por otro lado, si es un retrato en acción, el modo AF-C/Ai-servo será más adecuado. En cualquier caso, te aconsejo configurar tu AF para que puedas seleccionar tú mismo el punto AF activo. Si lo dejas en automático, algunos elementos pueden confundir a la cámara. No obstante, en muchas cámaras y especialmente en las sin espejo recientes, hay modos con enfoque en el rostro, o incluso en los ojos, que son cada vez más eficientes. No dudes en usarlos si tu cámara los tiene. Con enfoque manual, ya sea por elección o porque tu objetivo no tiene AF, la cuestión no se plantea y tendrás que encontrar la mejor manera de lograr el enfoque con la ayuda del indicador de enfoque en el visor de las DSLR, la lupa y/o el focus peaking en el visor electrónico.

La apertura del diafragma, indicada como f/x, te permite elegir la profundidad de campo (la extensión de la zona nítida delante y detrás del lugar donde enfocas) y reducir o aumentar la cantidad de luz que el objetivo envía al sensor. Cuanto menor sea el número, por ejemplo f/2, más luz recibirá el sensor y más corta será la profundidad de campo. Obviamente, con un número grande como f/8, ocurre lo contrario. Idealmente, la apertura debe seleccionarse según la profundidad de campo deseada. De hecho, cuando se usa para compensar una mala luz, deja de ser una elección artística y se convierte en un paliativo. Si quieres reducir mucho la profundidad de campo o tomar fotos con muy poca luz, tendrás que optar por objetivos con una gran apertura máxima, como f/1.8 o f/1.4 (por lo general, focales fijas). Pero asegúrate de que realmente vas a beneficiarte de ellos antes de ir a por objetivos de apertura muy grande, ya que suelen ser más caros, pesados y voluminosos. Diría que, para empezar, puedes optar por objetivos fijos que abran a f/1.8-f/2, y zooms que abran a f/4, posiblemente f/2.8 si el precio es correcto.

El tiempo de exposición, indicado en segundos o fracciones de segundo, permite capturar al sujeto cuando es lo suficientemente corto o hacer tomas con movimiento cuando es relativamente largo. Todo depende de lo rápido que se mueva el sujeto y, de nuevo, de tu intención. Cuanto más rápido se mueva el sujeto, más corto será el tiempo de exposición si quieres congelarlo. Para un retrato estático, algunas personas recomiendan ajustar el tiempo de exposición a al menos 1/90 de segundo. En realidad, depende de otros factores como la distancia focal utilizada o el tamaño y el número de píxeles de tu sensor. Cuanto más larga sea la distancia focal, mayor sea el número de píxeles y menor sea el tamaño del sensor, más probable es que el movimiento (ya sea el tuyo o el del sujeto) cause desenfoque. La regla general es usar un tiempo de exposición de al menos 1 vez la distancia focal para evitar el desenfoque por movimiento del fotógrafo. Por ejemplo, si estás usando un 50 mm, deberías usar al menos un tiempo de exposición de 1/50 de segundo. Pero según las equivalencias de distancia focal, si colocas ese 50 mm delante de un sensor micro 4/3, será como un 100 mm, y más bien tendrás que ajustar el tiempo de exposición a 1/100 de segundo como mínimo. Esta regla será más flexible si tu sensor, tu objetivo o ambos están estabilizados. Para un sujeto en movimiento, será menos importante porque a menudo estarás en tiempos de exposición cortos para evitar el desenfoque de movimiento. Por ejemplo, si estás fotografiando a un niño corriendo, la mayoría de las veces estarás en 1/250 de segundo, o incluso menos, así que probablemente no tendrás problema con ninguna distancia focal por debajo de 200 mm. Con sensores con muchos píxeles, los desenfoques también pueden ser más fáciles de notar. Si quieres hacer tomas con movimiento, tendrás que usar tiempos de exposición largos, y la estabilización también será un recurso valioso en este caso, o tendrás que seguir los movimientos de tu sujeto mientras se desplaza. Por lo tanto, te aconsejaría seleccionar tu tiempo de exposición según los movimientos de tu sujeto y luego, si este último se mueve relativamente poco, tendrás que asegurarte de no alargar demasiado el tiempo de exposición, con el riesgo de provocar desenfoque por movimiento.

La sensibilidad ISO amplifica la señal para permitir una mayor sensibilidad del sensor a la luz, lo que hace posible exponer correctamente una foto incluso si no hay suficiente luz. Esto sería genial si el aumento de esta sensibilidad no deteriorara la calidad de imagen, porque cuanto más subes el ISO, más contiene la imagen lo que se llama “ruido” (”granos” de color repartidos por toda la imagen), así como una pérdida de rango dinámico y de calidad de color. El objetivo del juego será entonces encontrar, según la cámara que uses y tus exigencias, el valor límite hasta el cual permitirás que suba. Cuanto más grande sea tu sensor, menos se degradará la calidad a medida que subas el ISO. Idealmente, deberías intentar estar en el valor más bajo posible, pero en muchas situaciones a menudo será necesario aumentar la sensibilidad. Si realmente quieres tener valores de referencia, puedo aconsejarte mantenerte por debajo de 1600 ISO en micro 4/3, 3200 ISO en APS-C y 6400 ISO en Full Frame, con la mayoría de las cámaras. Algunas cámaras tienen mejores tratamientos de reducción de ruido, y algunos programas pueden hacerlo aún mejor; depende de ti adaptarte según lo que uses.

Tanto si usas AF como enfoque manual, dónde enfocas es muy importante. Por lo general, se aconseja enfocar en los ojos, tanto que los fabricantes ofrecen, como se mencionó en el capítulo anterior, un enfoque automático que detecta los ojos del sujeto. De hecho, es la zona que instintivamente buscamos la mayoría de las veces cuando estamos frente a un retrato. Si el sujeto no está de frente y tienes una profundidad de campo tan reducida que solo uno de los dos ojos está enfocado, entonces elige el ojo más cercano a ti.

Sin embargo, nunca ha estado prohibido enfocar en otro lugar que no sean los ojos, si alguna vez quieres enfocar en otra parte del sujeto. Pero en ese caso, a veces será más apropiado encuadrar solo esa zona, incluso si los ojos ya no aparecen en la imagen. Sin embargo, casi podríamos estar hablando de fotografía de aproximación, o incluso de fotografía macro.

El enfoque va acompañado de la profundidad de campo. Cuanto mayor sea la apertura, más corta será la profundidad de campo, lo que puede ser útil para aislar el rostro o a la persona, especialmente si las otras partes de la foto no son interesantes y no enfatizan al sujeto. Pero la apertura no es el único elemento que determina la profundidad de campo. De hecho, la distancia entre tú y el sujeto, así como la distancia focal utilizada, también tendrán un impacto. Recuerda que cuanto más cerca estés del sujeto, o cuanto más larga sea tu distancia focal, más se reducirá tu profundidad de campo, incluso si usas la misma apertura. De nuevo, no hay ninguna ley que diga que tienes que reducir la profundidad de campo al grosor de una hoja de cigarrillo. Puede ser más interesante ampliarla para que se incluya el contexto alrededor de tu sujeto.

Sin embargo, ten cuidado: si cambias la distancia, también cambiarás la perspectiva, y no debería perjudicar al sujeto. Esto te da entonces la oportunidad de reducir la profundidad de campo, incluso si tienes una cámara con un sensor pequeño. Los sensores más pequeños dan un encuadre más cerrado para la misma distancia focal, así que tendrás que retroceder para obtener el mismo encuadre o usar una distancia focal más corta, lo que aumenta el área de enfoque. Como puedes alejarte y usar una distancia focal más larga, no tendrás que comprar una cámara más cara, especialmente porque alejarse del sujeto generalmente tiene menos influencia negativa en la perspectiva que acercarse a él.

Sin embargo, al usar una cámara con un sensor grande y una gran apertura, ten cuidado de tener una profundidad de campo lo suficientemente amplia si tienes varios sujetos y quieres que todos estén enfocados. A menudo tengo este problema cuando quiero tomar fotos familiares y mi hijo de 5 años está haciendo payasadas y termina ligeramente detrás o delante. La forma más fácil de hacerlo es cerrar la apertura, pero si están en un lugar distante, puede que tengas que retroceder y/o usar una distancia focal más corta. Última solución: puedes pedirles que se agrupen más o menos en la misma línea. De este modo, no tienes que ajustar la profundidad de campo, ya que vienen y se colocan dentro de ella.

Hay varios encuadres clásicos de retrato:

• el retrato de cuerpo entero, que consiste en encuadrar a toda la persona,
• el plano americano consiste en cortar los pies y la parte inferior de las piernas,
• el plano a la cintura, que consiste en cortar a la altura de la cintura (fácil de recordar, ¿verdad?),
• el plano de busto, que consiste en cortar ya sea por la parte inferior o superior del pecho,
• el primer plano/plano cerrado, consiste en aislar el rostro e incluir o no los hombros.

Para iniciarte en la fotografía de retrato, el primer plano es lo más práctico, ya que aisla al sujeto lo máximo posible y te permite no desconcertarte demasiado por el contexto o por una pose defectuosa del sujeto (mano en la cremallera o pie torcido, no pasa nada porque no aparecerán en la foto). El retrato de cuerpo entero impondrá una mayor exigencia en la pose del sujeto y en dónde vas a colocarlo, ya que se incluye el contexto. ¿Cuántas veces hacemos un retrato de cuerpo entero solo para descubrir después que había una rama de árbol, un grafiti antiestético o una secadora vieja en una esquina del encuadre (o, una vez más, una mano en la cremallera, excepto que esta vez se ve en la foto)? El encuadre entre ambos también es bastante exigente, ya que tendrás que concentrarte en el sujeto y en parte en su pose, pero también en el contexto, aunque sea más limitado. Obviamente, cuanto más cerrado encuadres, más atención prestarás al rostro y, en particular, a los ojos del modelo.

Hablando de la mirada, deja un poco de espacio delante de ella, en la dirección hacia la que mira, para “dar aire” a tu sujeto. En realidad, es un consejo bastante básico. Si estás fotografiando a alguien mirando hacia la izquierda o hacia la derecha, te darás cuenta rápidamente de que si el encuadre se detiene justo delante de sus ojos, el resultado no será muy agradable. En general, ya sean los ojos o el cuerpo los que “vayan” en una dirección, deja espacio en la zona correspondiente a esa dirección. Si el sujeto está de frente a ti, esto obviamente no será un problema y a menudo tendrá más sentido centrar el rostro. Pedirle al sujeto que te mire de frente suele ser más interesante en tomas cerradas. Como el contexto no está muy presente, será menos relevante hacer que mire hacia otro lado. En cambio, será más dinámico hacer que gire el cuerpo en otra dirección, especialmente en mujeres (el retrato 3/4, por ejemplo), ya que esto permite resaltar las formas.

La relación de aspecto de la imagen también permite enfatizar al sujeto, como a menudo en fotografía. El formato cuadrado se ha asociado a menudo con los retratos, especialmente cuando es cerrado y el sujeto está de frente. Para retratos un poco más abiertos, las relaciones 3/2 y 4/3 serán interesantes porque los sujetos suelen ser más altos que anchos, y viceversa si están tumbados. Por cierto, cuando estén de pie, acostúmbrate a orientar tu cámara en modo retrato… Hay una buena razón por la que se llama modo retrato; aunque nadie te obliga a hacerlo, por lo general será una orientación natural para encuadrar al sujeto. Para retratos que incluyan contexto, también serán bastante adecuados, incluso hasta 16:9. De nuevo, es una observación bastante lógica, pero sigue sin ser una regla. Si quieres hacer tomas abiertas en formato cuadrado y tomas cerradas en 16:9, nadie va a detenerte, y en fotos donde el contexto es importante, la orientación en modo retrato de la cámara será menos a menudo coherente.

¡Una cosa importante en fotografía es la luz! Por cierto, esa es la definición de fotografía: escribir con luz, y la fotografía de retrato no es una excepción. Como suele ocurrir, te aconsejamos evitar la luz dura, especialmente a mediodía. Sin embargo, siempre hay formas de controlar esta luz, ya sea sombreando al sujeto, añadiendo luz con un flash, difundiéndola o haciendo que se refleje en superficies que tengas en el lugar o que añadas. Si quieres poner a tu sujeto con luz natural sin que le cause zonas de alto contraste, favorece las horas en las que el sol está bajo, es decir, justo después de su salida y antes de su puesta.

Sin embargo, esto no significa que no debas fotografiar cuando tu sujeto está bajo luz solar directa si no tienes estos accesorios. La ventaja (por decirlo de alguna manera) de la luz dura es que provoca zonas evidentes de contraste que puedes usar para resaltar ciertas partes de tu sujeto. Por ejemplo, algunas personas usan la contraluz para crear un efecto halo en el cabello. Otros colocan una parte del sujeto en una zona muy luminosa y el resto en una muy oscura, y luego hacen la exposición sobre una u otra para que la parte elegida quede bien expuesta y la otra quede muy tenue o incluso negra, o por el contrario muy brillante o incluso quemada.

Algunas técnicas que permiten jugar con la luz incluso se asocian con los retratos, como el high-key y el low-key. La primera consiste en sobreexponer la imagen hasta el límite de lo quemado y asegurarse de que la imagen no contenga sombras y casi solo tonos claros, para dar una visión romántica, suave e inmaculada. La segunda hace más o menos lo contrario, es decir, subexponer para que la imagen contenga muchos tonos oscuros y resaltar solo algunos detalles para dar carácter. Para facilitar estas técnicas, deberías preparar a tus sujetos, por ejemplo pidiéndoles que lleven ropa clara para high-key y ropa oscura para low-key. Será más fácil hacer estas técnicas en un entorno controlado (tipo estudio) con luces, pero aun así es posible hacerlo con luz natural. Para high-key, serán preferibles las luces suaves (sol bajo, sombras…) mientras que para low-key tendrás que encontrar un lugar donde la luz se concentre en una o algunas zonas precisas.

Si no tienes un estudio (¡es bien sabido, todo el mundo tiene uno en casa!), los accesorios mencionados arriba también te permitirán lograr estas técnicas, y mucho más. El flash tiene muchas ventajas en el campo de la fotografía de retrato. Te permite añadir y controlar la luz, y su destello suele ser lo suficientemente potente como para iluminar a tu sujeto, ya que rara vez estará a varias decenas de metros de ti. También puede combinarse con otros flashes para iluminar varias zonas específicas o para ampliar su alcance, entre otras cosas. Sin embargo, requiere cierta experiencia para usarse correctamente. Los reflectores, como este, pueden usarse para reflejar la luz y levantar las sombras. Simplemente lo apuntas hacia la zona donde falta luz. A menudo tienen lados plateado y dorado para cambiar el tono, e incluso un lado negro para añadir sombra. Los difusores, como su nombre indica, permiten difundir la luz; solo tienes que colocarlos entre la fuente de luz y el sujeto. Los flashes suelen entregarse con un pequeño difusor para colocarlo directamente en la cabeza (la cabeza del flash, no la tuya).

Después de haber preparado tu cámara y tu escena, ahora es el momento de centrarte en tu sujeto. La frase que aparecerá con más frecuencia cuando quieras tomar una foto de alguien es: “No soy fotogénico”. Probablemente hay personas que lo son más y otras menos, pero por lo general, si un retrato es un fracaso, es porque el fotógrafo no hizo su trabajo correctamente.

Si estás fotografiando sujetos que están bastante lejos, será difícil establecer contacto y dirigirlos. En ese caso, tendrás que ser paciente y estar atento, anticipando lo máximo posible para encontrar el momento y la pose adecuados. Pero si estás fotografiando sujetos lo suficientemente cerca, no dudes en hablar con ellos, explicarles lo que quieres de ellos y preguntarles qué quieren ellos de esta sesión de fotos también. Como durante la toma estarás concentrado en tu cámara y en la composición, es mejor empezar a hablar con ellos antes. A menudo, cuando fotografías a alguien, tiende a sentirse incómodo y desmotivado porque está convencido de no ser fotogénico. Piensa en todas esas veces que tuviste que hacer algo y pensaste que estaba destinado a salir mal: no ayuda a concentrarse, ¿verdad? Así que tu primer objetivo será ayudar a tu sujeto a relajarse y divertirse; no solo será más agradable para él, sino que tendrás más probabilidades de obtener expresiones más naturales e interesantes. En cuanto ganes su confianza, no esperes para disparar (usa el modo ráfaga), porque cuanto más tiempo esperen mirando tu cámara, más tensos se pondrán y menos sinceras serán sus expresiones. Un buen consejo es pedirle a tu sujeto que mire al objetivo solo en el último momento y, como tú eres quien dispara, dependerá de ti hacerle entender que es el momento adecuado. Además, sé preciso en tus indicaciones: no le pidas, por ejemplo, que mire hacia un lado u otro, sino más bien que mire a un lugar concreto.

Sobre las poses, depende de ti decidir qué te interesa más. Puedes guiar completamente a la persona para que haga una pose específica que tienes en mente, o dejar que haga poses aleatorias, o una mezcla de ambas. En realidad, cuando digo que depende de ti, más bien depende de la persona fotografiada, porque algunas personas se sienten más cómodas siguiendo indicaciones, mientras que otras pueden ser imaginativas (quizá incluso más que tú) cuando se les da libertad.

Si estás haciendo un retrato “clásico” con enfoque en los ojos, probablemente quieras resaltarlos y, en ese caso, hay técnicas para hacerlo aún más sin necesariamente rodearlos de un maquillaje pesado. Por ejemplo, pídele a la persona que baje ligeramente la barbilla, lo que hace que el rostro se vea más fino y resalta naturalmente los ojos. Pruébalo frente a tu espejo: ponte recto frente a ti y luego baja mucho la barbilla; cuanto más la bajes, más se resaltarán tus ojos. Obviamente, si la bajas demasiado, da miedo; por eso hay que hacerlo ligeramente. Cuando disparas desde arriba, es decir, colocándote más alto que tu modelo, será más o menos lo mismo: los ojos se destacarán, pero ten cuidado con la perspectiva, ya que aplastarás a tu modelo (como a menudo se ve en fotos de niños). Para hacer un retrato un poco más abierto, el contrapicado permitirá “agrandar” al modelo, pero, de nuevo, ten cuidado de no exagerar a menos que sea un efecto deseado y controlado. Para el cuerpo, intenta jugar con las curvas. Es importante que tu modelo esté vivo, porque no olvides que, a diferencia de la realidad, quedará congelado en la foto y tendrás que encontrar formas de dar dinamismo. Presta especial atención a los brazos y las piernas: los brazos pegados al cuerpo y las piernas rectas como un palo no suelen verse bien en fotos, igual que un cuello rígido. También presta atención a las extremidades (pies y manos), ya que a menudo tienden a quedar cortadas en tomas abiertas. Una forma de evitarlo sería añadir accesorios a la composición, pidiéndole a la persona que sostenga un objeto en una mano, por ejemplo, porque si le pides que sostenga algo, significa que esa cosa tiene interés, así que pensarás en ella y, por extensión, también pensarás en la mano que la sostiene… Obviamente, ¡más difícil de sostener con un pie! Si tienes miedo de cortarlos u olvidarte de comprobarlo, ¡córtalos directamente! Es mejor tomar decisiones claras, porque unos pies completamente cortados son menos sospechosos que si solo están cortados a la mitad.

Eso es todo, espero que todos estos consejos de fotografía te ayuden a empezar con la fotografía de retrato. Una vez que hayas aplicado todos estos consejos de fotografía, ¡no olvides dejar de seguirlos! Te facilitarán tener éxito en tus retratos cuando estás empezando, pero una vez que tengas más experiencia, a menudo será interesante adoptar el enfoque contrario y probar cosas que no parecen lógicas, pero que aun así pueden ser interesantes si se hacen con dominio y audacia. Para ir más lejos, te invito a leer nuestro artículo que explica cómo fotografiar con una distancia focal larga. ¡Encontrarás allí otros tipos de consejos!

Hasta pronto.